In der Welt der Fotografie, wo die meisten von uns Selfies mit unseren Handys knipsen, erhebt sich Thomas Struth als ein Meister des konzeptuellen Sehens. Ja, da ist ein Deutscher mit einer Kamera, und er ist nicht hier, um Instagram-taugliche Filter hinzuzufügen. Struth, geboren 1954 in Geldern, ist bekannt für seine beeindruckenden Stadtlandschaften und Museumsfotografien. Man muss sich fragen: Was macht ihn anders als die unzähligen anderen Künstler, die sich um das richtige Bild rangeln? Nun, es ist eine Fertigkeit, die die meisten - ich wage es zu sagen - übersehen. Seit den 1970er Jahren zieht es Struth mit seiner Kamera in die urbanen Landschaften der großen Metropolen, von New York über Tokio bis hin zu Berlin. In einer Welt, die sich gerne in spektakuläre Effekte und dramatische Inszenierungen flüchtet, bringt er uns die schlichte Wahrheit.
Struths Fotografie wirft oft einen kühlen, distanzierten Blick auf seine Sujets. Ganz anders als unsere liberalen, emotional aufgeladenen Visionen von Kunst. Seine Fotografien zeigen uns oft weitläufige und menschenlose Straßenansichten, in denen die Architekturen für sich sprechen. Diese Bilder sind still, doch sie rufen eine lautlose Beunruhigung hervor - ein Werk der Präzision und des Beharrens gegen den scheinbar unvermeidlichen Lärm des heutigen Lebens.
Ein zentraler Aspekt von Struths Arbeit ist die Museumsfotografie. Noch nie hat jemand es gewagt, so unverblümt die Interaktion von Kunst und Betrachter darzustellen. Seine berühmten Serien, wie jene im Louvre oder der Vatikanischen Museen, zeigen Besucher ganz in das Betrachten der Kunst vertieft. Diese Bildserien sind keine zufälligen Schnappschüsse; sie sind sorgfältig geplante Kunstwerke, die den Zeitgeist interpretieren. Da steht ein Mensch, stark vereinfacht vor einem Meisterwerk - ganz ohne störenden Kontext oder kitschige Emotionalität.
Kann man das liberalen Künstlern erklären, die alles mit intellektuellen Interpretationen überladen? Wohl kaum. Diese Fotografien sprechen nicht nur Kunstkenner, sondern jeden von uns an. Sie vermitteln ein Gefühl der Verwurzelung und der respektvollen Betrachtung. Das ist eine konservative Tugend, die heutzutage rar wird: innehalten, betrachten und schätzen statt überanalysieren.
Das Konzept der „Paradiese“, eine etwas lyrischere Serie von Struth, reizt das Sehen und Verstehen mit derselben unerbittlichen Logik. Seine Fotografien von üppigen, scheinbar unberührten Regenwäldern, aufgenommen in Australien, China und Peru, drücken die rohe Kraft der Natur aus. Aber was ist deren Charakteristik? Sie sind menschenleer, eine unmittelbare Verkennung der menschlichen Präsenz als Zerstörungskraft. Doch statt als Abmahnung oder Rüge zu fungieren, präsentieren sich diese Werke als schlichte Anerkennung der Landschaft als solche — ein pointierter Unterschied zu dem, was man allgemein in zeitgenössischen Medien sieht.
Struth hat auch ein jüngeres Werk geschaffen, das sich auf Technologie und Wissenschaft fokussiert, wie beispielsweise in Forschungszentren und Operationssälen. Er verbildlicht das moderne Streben nach Wissen und Fortschritt auf eine Art und Weise, die einen kühlen, fast industriellen Charakter besitzt. Auch das ruft eine Reaktion hervor, die alles andere als die übliche Lobhudelei ist, mit der viele zeitgenössische Künstler hantieren.
Was zieht uns also zu Thomas Struth? Vielleicht ist es die Respektlosigkeit gegenüber dem öffentlichen Geschmack oder die Art und Weise, wie er soziale Normen herausfordert, indem er uns zwingt, wirklich zu sehen, anstatt zu konsumieren. Man muss ihm zugestehen, dass er mit seiner Arbeit einen einzigartigen Spiegel vorhält, der es uns erlaubt, die Klischees der modernen Welt zu durchschauen. Struths Fotografien sind nicht dazu da, um zu gefallen. Sie fordern, dass wir auf eine Art und Weise nachdenken und reflektieren, die in den Strudeln der verführerischen, oberflächlichen Ästhetik selten geworden ist.
Am Ende bleibt die Tatsache, dass Thomas Struth Kunstwerke schafft, die uns in ihrer Ehrlichkeit berühren, anstatt sich in die endlosen Nischen der Emotionen und ideologischen Agenden zurückzuziehen. In einer zunehmend fragmentierten Welt erinnert uns seine Kunst daran, dass es nicht um die flüchtige Befriedigung geht, sondern um das konsequente Verweilen und Betrachten. Vielleicht erscheint das als altmodisch, aber gerade darin liegt der Reiz. Vielleicht ist das auch der Grund, warum die intellektuelle Elite von heute mit ihm nichts anzufangen weiß.